La Rueda de color

 

La rueda de colores es la herramienta más popular no solo para los diseñadores gráficos y los artistas, sino también para las personas relacionadas con la moda y aquellas que solo quieren lucir bien. La rueda de colores se puede utilizar para seleccionar una paleta para la interfaz de un sitio web, una identidad corporativa o una ilustración.

Hace muchos siglos, los coloristas se guiaban por la intuición a la hora de formar la paleta de los matices de sus pinturas. Pero con el tiempo, la rueda de colores se formó y se convirtió en la herramienta básica para el diseño de colores. En él se incorporaron todos los conocimientos acumulados a lo largo de los siglos sobre la combinación armoniosa de los colores.

La Historia

El círculo cromático más popular fue creado por Johannes Itten, el artista suizo y maestro de la Bauhaus conocido por sus contribuciones al estudio del colorismo a principios del siglo XX. En El arte del color, Itten describió en detalle los principios del trabajo con el color y su círculo cromático. Además del círculo de Itten, son bien conocidos los círculos cromáticos de Newton, Goethe y Oswald. Por ejemplo, Newton dividió el círculo en siete partes, similar a una escala musical. Siete notas, siete colores del arcoíris.

La esencia

Hay tres colores básicos en la rueda de colores: rojo, azul y amarillo. Están ubicados en el centro del círculo y forman un triángulo equilátero. Los vértices del triángulo son simultáneamente los vértices del hexágono, que está inscrito en un círculo dividido en doce segmentos. Los vértices del hexágono en contacto con el círculo dan su color al segmento. Así se forman seis segmentos, donde tres son los colores de primer orden, y los otros tres son los colores de segundo orden. Las seis partes restantes del círculo se rellenan con una mezcla igual de los segmentos vecinos y forman los colores de tercer orden.

El uso

Las combinaciones de Color Wherl te ayudan a encontrar las mejores combinaciones de colores. Hay muchas maneras de usar el patrón. De estos, podemos destacar algunos de los más populares.

• Combinación complementaria. Obtenido de dos colores opuestos en el círculo exterior.
• Tríada contrastante. Recibido de los colores en las esquinas del triángulo. A diferencia de la variante complementaria, aquí, en lugar de un color en la parte opuesta, elija el siguiente color.
• Tríada clásica. Se recibe de los colores que están en los vértices de un triángulo equilátero.
• Tríada análoga. Derivado de los tres colores que están uno al lado del otro en el círculo exterior.
• Combinación tetradica. Se recibe de los colores equidistantes entre sí en las esquinas de un cuadrado.
• Combinación rectangular. Obtenido de los colores en las esquinas de un rectángulo: dos colores que están a lo largo del sector, en un lado del círculo, y dos opuestos.

Conclusión

Según la teoría del color, se reciben combinaciones cromáticas armoniosas:

• De dos colores cualquiera ubicados uno contra el otro en un círculo de color.
• Al usar tres colores cualesquiera distribuidos uniformemente en un círculo cromático, formando un triángulo.
• Cuando utilice cuatro colores, forme un rectángulo.

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Sabes que es el arte Chicha... ?

 

La cultura chicha se ha fortalecido en los últimos años y una muestra clara de ello es justamente el arte gráfico. Sus trabajos son muy coloridos y llaman pronto la atención, este es un tema del que nadie puede sentirse ajeno porque lo tenemos en nuestras calles día a día y debemos aprender a valorarlo como lo que es, ARTE.

El ‘arte chicha’ nace a finales de los años 60, cuando se produjo una intensa migración en Lima, principalmente de la población andina. Así, se dio un proceso de adaptación, donde los inmigrantes, fusionaron la cumbia colombiana, que estaba muy de moda en esa época, con su música tradicional que es el huayno, surgiendo la así ‘la chicha’.

Este arte es muy fácil reconocer, siempre llama la atención, guste o no, siempre es llamativo, va más allá de lo tradicional y lo vemos en todas partes, en los carteles o afiches, que se caracterizan por colores extremadamente llamativos, como el fucsia, el verde, el amarillo, entre otros. Por lo general, estos no llevan imágenes, pero si en el caso los tuviera, los más representativos son la cara de un tigre o Sarita Colonia. La tipografía es gruesa sin serif, imponente y con muchas curvas.

Es así como esta fusión de muchos colores y letras extremadamente grandes describe a lo que se llama “arte chicha

                                         

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Pedro Linares Lopez, padre de los alebrijes

Este 29 de junio de 2021 el artista mexicano Pedro Linares López habría cumplido 115 años y por esa razón Google decidió dedicarle un doodle.

Linares es el padre de los alebrijes, unas divertidas figuras de animales fantásticos, hechas a base de cartón, que tradicionalmente se elaboran en el sureño estado mexicano de Oaxaca.

Por sus colores chillones y su mágica fantasía son muy famosos en México, pero se conocen en el mundo entero como productos únicos de la tradición del arte popular mexicano.

Una pesadilla que se convirtió en sueño

Los primeros alebrijes fueron producto de una pesadilla del artista, quien a sus 30 años cayó enfermo. Soñó que caminaba por un bosque en el que animales híbridos y coloridos se aparecieron ante él.

Eran los alebrijes, como ellos mismos le dijeron.

Una vez recuperado, Linares comenzó a elaborarlos y pronto se popularizaron.

Hábil artesano de 12 años

Linares López nació en la Ciudad de México, el 29 de junio de 1906.

Su padre trabajaba como escultor de papel maché o cartonero, y entrenó a Linares para que siguiera sus pasos. Cuando tenía 12 años, ya se había convertido en un hábil artesano de artículos de papel maché.

Elaboraba piñatas y las tradicionales calaveras que se presentan en la celebración anual del Día de Muertos.

Los alebrijes no tuvieron mucho éxito al principio, pero Linares se decidió a refinar la técnica y poco a poco su reputación fue creciendo. Tanto que atrajo la admiración de los icónicos artistas mexicanos Frida Kahlo y Diego Rivera.

Pero fue un documental de 1975 sobre Linares de la cineasta Judith Bronowski lo que lo elevó a la fama.

En 1990, fue galardonado con el primer Premio Nacional de Artes y Ciencias de México en la categoría de Artes y Tradiciones Populares.

 

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Tendencias de motion 2021

 

Mano a mano

Mientras que la covid-19 desafiaba al mundo e impulsaba recortes presupuestarios y cancelaciones de rodajes, muchas marcas respondieron adoptando una tendencia del vídeo que lleva tiempo en alza: el verdadero contenido generado por el usuario (UGC), y el aspecto de «hazlo tú mismo» del contenido creado en el momento. El material rodado a mano y la estética del UGC han sido dominantes en todas las industrias y lo veremos en todas partes en 2021.

Medios intercambiables

Los medios intercambiables, la capacidad de agregar imágenes y vídeo intercambiables a los motion graphics, ha disminuido dramáticamente la barrera de entrada para la creación de piezas de movimiento complejas. Los editores de vídeo, los creadores de redes sociales y los trabajadores de la información están creando ahora vídeos de calidad profesional mediante la inserción de fotos y vídeos en plantillas de movimiento para aumentar el valor de la producción, la comunicación y hacer que las imágenes cobren vida.

 

Transiciones transformadoras

Para lograr una comunicación más eficaz y captar la atención, los creadores están incorporando transiciones perfectas y elementos gráficos en los vídeos para dar vida a sus historias. Las transiciones de colores atraen poderosamente la mirada de una escena a otra o revelan títulos y logotipos dentro de un comercial. Aunque el uso de transiciones animadas y superposiciones no es nuevo, las nuevas encarnaciones y la popularidad de estas técnicas es notable.

 

Degradado

Los gradientes han saltado de las páginas de los diseñadores gráficos a las pantallas de los editores de video. La mezcla de colores vibrantes puede captar la atención y al mismo tiempo ofrecer una presencia relajante en tiempos de inestabilidad. Los gradientes suaves y multicolores están aumentando su popularidad en las campañas de las grandes marcas, el diseño de identidad y más.

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Muere Eduardo Arroyo, el último león de la figuración

El pintor español Eduardo Arroyo nació en Madrid en 1937. Está considerado uno de los principales representantes de la figuración crítica, de contenido político y social.

Estudió periodismo y, en 1958, se traslada a París con la intención de convertirse en escritor. Su conocimiento del francés le permitió integrarse sin demasiados problemas en la vida diaria, pero no en el mundo literario, por lo que decide instalarse en el barrio de los pintores en vez de en el de los escritores. Frecuentó asiduamente la comunidad de exiliados españoles sobrevivientes de la Guerra Civil, lo que hizo que se aficionase por la pintura y que se acentuara su compromiso político y la crítica al régimen de Franco.

En 1963 expone sus retratos de los Cuatro Dictadores en el espacio dedicado por la III Bienal de París a la denuncia del totalitarismo y la represión, bajo el nombre de L'Abattoir, es decir, El matadero.

Son los retratos de Hitler, Mussolini, Franco y Salazar. Cada uno lleva los respectivos emblemas y banderas nacionales, así como las especialidades en las que ha sobresalido.

A mediados de los años sesenta ofrece una visión violenta de la Historia de España en obras como El minero Silvino Zapico es arrestado por la policía (1967); Sama de Langreo (Asturias), septiembre 1963; La mujer del minero Pérez Martínez, Constantina, llamada Tina, es rapada por la policía (1970) o El estudiante Rafael Guijarro se tira por la ventana a la llegada de la policía (1970).

Simultáneamente a la crítica antifranquista, se preocupó por el compromiso del arte y la vanguardia. Creía que el arte de vanguardia, lejos de cambiar las condiciones de vida y el sistema de dominación, se había integrado en el seno de la cultura dominante. Entiende la vanguardia como una prolongación de la moda a la que hay que hacer frente. Por ello, en sus obras incluye ácidos comentarios sobre las figuras indiscutibles de la vanguardia como, por ejemplo, a Marcel Duchamp en la serie El fin trágico de Marcel Duchamp (1965).

A Joan Miró dedicó la serie Miró rehecho o las desgracias de la coexistencia, en 1966-1967. Al escoger la figura de Miró, Arroyo tenía en cuenta que se trataba de un artista consagrado de la vanguardia, opuesto al régimen de Franco y que mantenía una postura crítica respecto a la situación política de España.

En Espagne je te vois y en España te miro el culo se inspira en la obra La masía, de Miró, pero convierte el huerto en un campo de exterminio.

En otros cuadros como Casa de la Cultura en Valdepeñas, I y II o Inauguración: los cuatro hermanos o cómo hacerse interpelar por los servidores subdesarrollados, narra acontecimientos concretos, de carácter policial y represivo, introduciendo motivos iconográficos característicos del pintor catalán.

La revisión de la vanguardia continúa con Salvador Dalí. Escoge al pintor favorito de Dalí, Velázquez, para realizar Velázquez, mi padre, donde Arroyo se autorretrata como un niño en pañales en brazos del autor de Las meninas, sobre un fondo en el que el cielo de la sierra se ve amenazado por los nubarrones y proyectiles de la guerra civil. Otra obra es Diferentes tipos de bigote reaccionario español o varios aspectos del Sindicato de Actividades Diversas.

En 1974 viaja a Valencia y allí es detenido debido a su actividad antifranquista y expulsado de España. En 1976, tras el fallecimiento de Franco, regresará a la Península comenzando una nueva etapa artística. Todas estas circunstancias hacen que su obra no sea conocida en España hasta la década de 1980.

A partir de 1976 Arroyo realiza una serie de obras que tratan el exilio, donde reflexiona sobre los exiliados. Uno de sus ciclos más intensos es Reflexiones sobre el exilio.

Algunos ejemplos son La vuelta de los exiliados, Regreso de Companys a Barcelona o Ángel Ganivet se arroja al río Dvina.

En Ángel Ganivet se arroja al río Dvina sintetiza las dramáticas vivencias de este andaluz desterrado a las frías tierras del Norte. Recoge el momento en el que tras arrojarse a las heladas aguas del río Dvina, sólo emergen sus zapatos. Ganivet fue un exiliado que nunca regresó, por ello no aparece corporalmente representado sino a través de sus zapatos agujereados y sus calcetines zurcidos.

En Feliz quien como Ulises ha hecho un largo viaje, I y II, Arroyo aborda la situación de aquellos exiliados que sí volvieron a casa y que la encontraron tan cambiada, que ellos mismos se sintieron irreconocibles, se sintieron extraños en su propio hogar.

A partir de 1980 lleva a cabo las series Los Deshollinadores y Toda la ciudad habla de ello. En esta última, explora la noche y vincula su obra con el cine negro. Proliferan por sus cuadros los gangsters, los escaparates, rascacielos, neones, atropellos y acechos. El color dominante es el negro. Un ejemplo, el cuadro titulado Alivia.

Eduardo Arroyo es sobre todo un artista polifacético. Como escritor destacan las obras Panamá Al Brown (1982) y Sardinas en aceite (1990). También ha diseñado escenografías teatrales, como su interpretación de la pieza de Calderón de la Barca La vida es sueño.

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Gravit - Programa de diseño Vectorial

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Nahui Olin, la pionera del performance y de la liberación sexual en México

Los desnudos de la pintora, modelo y poetista Carmen Mondragón, quien adoptaría el nombre náhuatl de Nahui Olin, son pioneros del performance; actualmente se presenta una exposición en el Museo del Estanquillo de la CDMX.

Con frecuencia, la historia somete a un inmerecido anonimato al sexo femenino, sobre todo en el ámbito artístico. Lo hace además, menospreciando el valor de su legado, su trascendencia e incluso, de su mera existencia. De manera que hay una pléyade de magníficas artistas ocultas y sin nombre, cuyo valor debe enfrentarse a una losa de silencio cultural que pocas veces pueden vencer. Como si se tratara de una visión inquietante sobre la muerte y el olvido, las artistas anónimas — y lo que es peor, olvidadas — forman parte de una percepción sobre el punto artístico creado por mujeres que resulta devastador.

A la pintora Carmen Mondragón poca gente la conoce. Su alter ego, Nahui Olin resulta un poco más familiar, aunque sigue siendo una figura periférica dentro del mundillo artístico de su México natal. Eso, a pesar de su magnífica visión sobre el arte como forma de expresión simbólica y su aporte decisivo al simbolismo con tenor latinoamericano. Su obra se encuentra sepultada bajo años de menosprecio y también, a la sombra de cientos de nombres de artistas de mayor visibilidad comercial, que le condenaron a un ostracismo quizás inevitable. No obstante, su influencia continúa siendo notable e incluso imprescindible para comprender cierto ámbito de la cultura mexicana y también latinoamericana.

Carmen Mondragón, también conocida como Nahui Olin [Tacubaya, actual Ciudad de México, 1893-1978]. Poeta y pintora mexicana, una de las figuras del simbolismo artístico más destacadas y desafiantes de la primera mitad del siglo XX. A partir de los años 20, Olin se sumergió en la vida artística de su país y los círculos artísticos europeos. Convivió con personajes como José Vasconcelos, Frida Kahlo, David Siqueiros, Diego Rivera, Pablo Picasso, Edward Weston, Jean Charlot, Gerardo Murillo, entre muchos otros. En 1927 presenta en el Centro Histórico de la Ciudad de México una serie de desnudos tomados por el fotógrafo Antonio Garduño, donde explora el poder del cuerpo femenino, suceso que levantará gran escándalo en la élite conservadora. Su obra pictórica se inscribe dentro del naif, donde resalta la espontaneidad y la ingenuidad. Realizó múltiples autorretratos. Publicó Óptica cerebral, poemas dinámicos [1922], Câlinement je sois dedans [1923], Á dix ans sur mon pupitre [1924], Nahui Olin [1927] y Energía cósmica [1937]. Participó en una exposición colectiva en Bellas Artes en 1945, junto a los pintores Pablo O’Higgins y José Clemente Orozco. 

Su obra fue sepultada por los círculos artísticos de su país bajo la sombra del menosprecio, seguramente por su irreverencia estética y su potencia emotiva y erótica. En 1993, con motivo del centenario de su nacimiento, se organizó la exposición Nahui Olin, una mujer de los tiempos modernos en el Museo-Estudio Diego Rivera en la Ciudad de México.

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Acuarela para urban sketchers (Gustavo Gili)

En su apuesta por el aprendizaje de la pintura y el dibujo, Gustavo Gili acaba de publicar Acuarela para urban sketchers, un práctico y ameno manual sobre esta técnica de ilustración que ofrece una exhaustiva guía que para familiarizarse con el universo de la acuarela. La publicación incluye un gran número de lecciones sobre las técnicas fundamentales (como el aguado y el glaseado), los materiales y las herramientas más importantes (pinturas, pinceles o papel), el proceso de dibujo, una muy completa relación de capítulos sobre el uso del color (ciencia básica, combinaciones, tipos, efectos o significados), nociones estilísticas o sugerencias sobre el proceso. Se trata, en resumen, de un libro muy útil y fácil de manejar que permitirá al lector (ilustradores, artistas, urban sketches o simples aficionados) adentrarse en esta formidable técnica expresiva.

La técnica de la acuarela vive una segunda edad de oro gracias al auge del urban sketching. Se trata de un medio sofisticado que requiere de un considerable dominio al tiempo que permite entregarse al azar y a la sorpresa. Aprender a pintar con acuarela es, pues, un auténtico reto técnico y expresivo.

Este libro, un manual práctico y accesible para introducirse en el mundo de la acuarela, ofrece una serie de pequeñas lecciones sobre el tema que abarcan desde las técnicas fundamentales, como el aguado o el glaseado, hasta los materiales y herramientas más habituales, o sencillos trucos y consejos sobre cuestiones prácticas, narrativas y estilísticas. Con un planteamiento directo y muy visual, el libro nos ofrece, además, conocimientos muy sólidos sobre teoría del color.

La acuarela no es simplemente una técnica, es casi una actitud. Ya seas artista, ilustrador, urban sketcher o aficionado al dibujo, familiarizarte con este lenguaje se convertirá en un excitante desafío que te introducirá en un universo expresivo totalmente nuevo.

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